L’orchestre sous toutes ses formes – Guide pédagogique

De la cour du roi à la Maison symphonique de Montréal : petite histoire de la musique symphonique

En Europe, jusqu’à la fin du XVe siècle, la musique était jouée pour divertir et faire danser la cour du roi. Les musiciens étaient soit issus de familles nobles, soit à leur service.

Depuis le XVIIe siècle, l’évolution des instruments de musique et les transformations sociales ont permis aux compositeurs d’inventer une multitude de formes musicales pour l’orchestre.

De l’époque baroque à nos jours, découvrons les grandes périodes qui ont rythmé l’histoire de la musique symphonique.

Bien qu’elle soit très ancienne, la harpe n’a fait son apparition dans l’orchestre qu’au XIX^e siècle. Pour en jouer, le musicien pince les cordes avec ses doigts. La harpe est également munie de sept pédales ayant pour fonction de modifier la hauteur de son des cordes.

Le savais-tu?

Bien que faisant partie de la famille des cordes frottées, les violons, altos, violoncelles et contrebasses peuvent aussi jouer en pinçant les cordes. C’est un mode de jeu que l’on appelle pizzicato.

Traditionnellement faits de bois, ces instruments sont faciles à reconnaître par leur forme allongée. Pour produire un son, on souffle dans une petite ouverture à leur extrémité qui peut prendre différentes formes. Celle du hautbois, du basson et de la clarinette est munie d’une petite lamelle de bois appelée « anche » que l’instrumentiste fait vibrer avec ses lèvres. Elle peut être simple ou double selon l’instrument. La flûte, elle, n’a pas d’anche mais un petit trou par lequel le flûtiste souffle pour produire un son.

Au XVIIe siècle, la flûte traversière remplace la flûte à bec au sein de l’orchestre. Faite d’argent, d’or ou de platine, elle possède une étendue d’environ trois octaves. Sa plus petite version, le piccolo, est deux fois plus courte. Le hautbois se distingue du reste de l’orchestre par son timbre légèrement nasillard. Plus doux et mélancolique, le cor anglais est son plus proche parent. Les clarinettes se joignent à l’orchestre à l’époque de Mozart au XVIIe siècle. Elles possèdent un très grand registre de notes (plus de 4 octaves) et produisent un son doux et feutré. Les sons graves du basson et de son grand frère le contrebasson sont produits en soufflant dans une anche double fixée sur un tube métallique, le bocal. Le son voyage alors dans un tube en U qu’on appelle la culasse.

Les percussions regroupent plusieurs instruments très différents les uns des autres. Pour en jouer, les percussionnistes les frappent, les secouent ou encore les grattent. Il existe des percussions en métal, en bois, ou même faites d’une peau (ou membrane) tendue sur un cadre de bois. Pour différencier toutes ces percussions, on distingue deux grandes familles : la famille des sons déterminés qui concerne essentiellement les percussions à clavier (glockenspiel, xylophone, marimba, célesta) ainsi que les timbales, puis la famille des sons indéterminés comme la caisse claire, la grosse caisse, le triangle et la cymbale.

Au début du XXe siècle, l’ouverture sur le monde permet aux instruments à sons non déterminés comme le tam-tam venu d’Asie, aux instruments à sons déterminés tels que le xylophone, le glockenspiel et le marimba, inspirés d’instruments africains, de se tailler une place dans l’orchestre.

Dans le monde de la musique classique, la symphonie est le genre instrumental par excellence – après tout, on parle bien d’orchestre symphonique! Le mot lui-même veut dire « sonner ensemble » (sym = ensemble, phone = son). Les premières sinfonia étaient de courtes pièces instrumentales jouées par l’orchestre avant un opéra; elles comportaient typiquement trois sections contrastantes, vif-lent-vif. En se détachant de l’opéra, la symphonie a pris de l’ampleur et chacune de ses sections a gagné en importance jusqu’à devenir des mouvements séparés. La période classique (1750-1825) est considérée comme l’âge d’or de la symphonie, alors que Haydn et Mozart en ont perfectionné la forme et y ont ajouté un quatrième mouvement.

Beethoven a poussé encore plus loin les transformations apportées par Haydn et Mozart. Surtout à partir de sa Troisième symphonie, appelée « l’Héroïque », ses symphonies sont plus longues, plus audacieuses dans leur forme et dans les harmonies employées et exigent des effectifs plus massifs que tout ce qui a été fait auparavant. Sa célèbre Cinquième symphonie compte parmi les premières à inclure des parties de trombones, et le premier mouvement est presque entièrement bâti autour de la fameuse cellule rythmique de quatre notes, dont on dit qu’elle représente le destin cognant à la porte.

L’opéra et le ballet sont deux formes d’arts de la scène qui racontent des histoires accompagnées de musique. Dans le cas de l’opéra, l’histoire est interprétée par des chanteurs sur scène, tandis qu’au ballet, des danseurs doivent exprimer l’action et les émotions des personnages par leurs gestes. La musique interprétée par l’orchestre contribue à véhiculer l’intrigue et accompagne le déroulement de l’action sur la scène. Généralement, l’orchestre est situé plus bas que la scène, dans la « fosse d’orchestre ».

Le compositeur russe Serguei Prokofiev a composé pour l’histoire de Roméo et Juliette une musique de ballet dramatique et intense. L’extrait suivant, intitulé « Danse des valets », représente un bal auquel assistent les deux familles rivales et au cours duquel Roméo et Juliette vont se rencontrer. La marche à la fois solennelle et sinistre alterne avec des passages lyriques pouvant représenter la jeunesse et l’innocence.

Dès les premiers films muets en 1890, la musique a joué un rôle d’importance, alors que des musiciens à l’imagination fertile, installés à l’orgue ou au piano, improvisaient en temps réel des trames sonores pour accompagner les images qui défilaient à l’écran. Avec l’ajout du son aux pellicules cinématographiques, deux avenues se sont offertes : la réutilisation d’œuvres existantes du répertoire classique et la création de bandes sonores originales.

Erich Wolfgang Korngold, compositeur autrichien établi aux États-Unis après avoir fui la montée du nazisme, a connu une carrière florissante à Hollywood de la fin des années 1930 au début des années 1950. L’influence de ses trames sonores symphoniques aux sonorités luxuriantes et épiques se fait encore sentir aujourd’hui dans les œuvres de John Williams et de Patrick Doyle, entre autres. Son Concerto pour violon est d’ailleurs composé à partir de thèmes qu’il avait écrits pour des films.